domingo, 30 de enero de 2011

Simplemente Alfredo Zitarrosa


Reseña biografica de:
Alfredo Zitarrosa, nació en Montevideo, Uruguay, el 10 de marzo de 1936 y fallecio el 17 de enero de 1989 en la misma ciudad.
Su vida trnscurrio en una zona rural del país hasta su adolescencia, influye notoriamente en lo que será su repertorio, esencialmente de raíz campesina.

Se inicia como cantor profesional en el Perú, en 1963, cuando a instancias de un amigo suyo se presenta en un programa televisivo de la ciudad de Lima. Durante su viaje de regreso al Uruguay, canta en un programa radial de la ciudad de La Paz, Bolivia.

Hasta entonces se había desempeñado como periodista y locutor radial, trabajando en varias emisoras de Montevideo.

Más tarde sería un brillante cronista del célebre semanario “Marcha”, dirigido por Don Carlos Quijano.

La difusión radial sorpresiva de algunas canciones que había grabado a instancias de sus amigos, compañeros de labor, caló hondo en el público oyente, identificado profundamente con su canto, que parece encontrar en Zitarrosa una voz honesta y una forma de cantar “a lo uruguayo”, que da comienzo a una relación que no quebrará ni la propia muerte.

Su debut como cantor profesional en Montevideo, tuvo lugar en el auditorio del SODRE (Servicio Oficial de Difusión Radioeléctrica) en 1964.

Su primer disco publicado, “Canta Zitarrosa”, abrió el camino de la difusión de la música nacional de este género en su tierra, compitiendo en ventas con el fenómeno popular de la época: los “Beatles”. Fue un militante defensor de los derechos de los artistas nacionales y de la producción de estos, como las de Viglietti, Los Olimareños, Capella, Palacios, entre otros, representativos como él del sentir nacional.

Desde 1965 hasta 1988 grabó aproximadamente cuarenta discos larga duración, en diferentes países, fundamentalmente en Uruguay y Argentina.
Recibió en vida innumerables distinciones y premios, aparte de la permantente marca en ventas discográficas, entre las que se destaca la Condecoración con la Orden ‘Francisco de Miranda' por parte del presidente de Venezuela en 1978.

Debido a su militancia política su canción es prohibida en Uruguay a partir de las elecciones de 1971 (prohibición que se consolida con el establecimiento de la dictadura cívico-militar el 27 de junio de 1973). Con el recrudecimiento de la persecución, habiendo sido convencido de que su canto sólo sería útil a la causa del pueblo desde fuera, debe salir al exilio en 1976, primero rumbo a Argentina, hasta el comienzo de la dictadura militar en aquel país, hasta que debe partir (por la misma causa que del Uruguay) para radicar en España donde estuvo residiendo hasta abril de 1979. Desde ese momento vivió en México, donde aparte de cantar, desarrolló actividades periodísticas en el diario “Excelsior” y en “Radio Educación” con su programa “Casi en privado”. Durante este período, a pesar de ser reconocido por él mismo como el menos creativo debido al dolor por el desarraigo, graba y edita varios discos en España, México y Venezuela. Asimismo participa activamente de diversos festivales internacionales, como abanderado de la lucha a favor de la libertad del pueblo uruguayo y de otras naciones oprimidas por gobiernos de corte fascista, y como referente ineludible del canto popular uruguayo y latinoamericano.

Levantada la prohibición de su canto en Argentina en 1983, es contratado para realizar un recital en ese país, oportunidad que es aprovechada por Zitarrosa para acercarse a su tierra, pasando a residir en Buenos Aires, hasta el momento que fuera posible su regreso al Uruguay. Allí realiza –entre otras- una memorable actuación en el estadio de Obras Sanitarias, donde al presentarse ante el público que colmaba el estadio, solicita su permiso: “Ojalá a partir de este momento ustedes me autoricen a seguir cantando a nombre de mi tierra”.

El 31 de marzo de 1984, es recibido por una multitud que lo aclama y lo acompaña, desde el aeropuerto, por todo Montevideo, en una circunstancia que es defida por él mismo como “la experiencia más importante de su vida”, lleno de una emoción profunda de alegría por el rencuentro con su tierra, con los amigos, sus “hermanos”, y la profunda alegría por el regreso a su amado país.

Una vez en su tierra realiza conciertos por todo el país y edita nuevos trabajos discográficos, entre los que presenta la serie “Melodía Larga”, milongas instrumentales para conjunto de guitarras, guitarrón y otros instrumentos de uso típico en el Jazz.

En 1988 edita por primera vez su obra literaria como tal en el libro de cuentos “Por si el recuerdo”, que recopila historias escritas durante sus últimos treinta años.

Su temprano y sorpresivo fallecimiento, en Montevideo, el 17 de enero de 1989, repercutió tan hondamente en el pueblo, en toda la comunidad hispano y latinoamericana, y en otros tantos países, al extremo tal que “el mundo entero fue una limpia e inmensa lágrima”.

Como poeta, integra en sus canciones el sector de mundo que le tocó vivir. Encontró, deshaciéndose, las esquivas palabras que simulan pasiones, historias, fábulas y esperanzas. Encontró, las palabras convenientes, las más precisas para sus descripciones: “Mariposa marrón de madera”; “Puedo enseñarte a volar / pero no seguirte el vuelo”; “Tú no pediste la guerra / Madre tierra, yo lo sé”.
Como músico, componiendo a favor de la guitarra y por milonga, creó un estilo de arreglos “a lo Zitarrosa”, con el sello de su creatividad musical, impuso este género como un estilo popular vivo. Fue impulsor del concepto de la fusión musical en el uruguay, llegando en su último trabajo discográfico a asimilar desde la milonga al rock, continuando la búsqueda de lo que él mismo definó, en 1969, como un “auténtico jazz del sur”, en base a la milonga.

Hombre de prodigiosa erudición, fue un narrador brillante, quien logró además a través de sus “Fábulas Materialistas” (recopiladas y publicadas en libro, por su familia, en el 2001), una sabrosa mezcla surrealista de ciencia, mito y humor.

Pero en Zitarrosa coexistían, además, los insólitos Diamólogos, el entrevistador agudo en “Marcha”, el locutor que creó toda una escuela del decir radial. No debe olvidarse un lejano trabajo crítico de Alfredo sobre “el cantor alienante y el público alienado”. Allí, este hombre de seductora voz, de presencia imponente en el escenario, alertaba al lector sobre posibles alienaciones ante la “figura” de un artista, ante la aureola de un astro que prácticamente invalidaban toda audición crítica; toda audición que realmente atendiera lo que el artista estaba “dando” sobre el escenario. Abreviemos: nos enseñaba que siempre debemos oír críticamente al artista.

Su familia, con el apoyo de amigos y personalidades de la cultura, entre otros, en honor a su ejemplo artístico y ético, en la fecha de su nacimiento, el 10 de marzo del 2004, declara la creación de la Fundación que lleva su nombre, para preservar su legado y trabajar, a favor de la cultura, de los valores humanistas e ideales sociales, como lo hizo Zitarrosa, del mismo modo que él los defendió y cantó.
Fuente : http://www.zitarrosa.org/biografia.htm





Alfredo con Mercedes Sosa

DISCOGRAFÍA DE ALFREDO ZITARROSA


1965

El canto de Zitarrosa (EP) (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]

1966

Canta Zitarrosa (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Simple Rodnos 10.556 (Alfredo Zitarrosa + Adela Gleijer + Roberto Fontana) [SINGLES Y EP]

1967

Del amor herido (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Zitarrosa (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1968

Che vive (EP) (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
Yo sé quién soy (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
La canción del cantor (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Simple Orfeo 90003 (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]

1969

Zitarrosa / 4 (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1970

Milonga madre (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Simple Orfeo 90022 (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]
Simple Odeon DTOA 7388 (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]

1971

Coplas del canto (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Simple Odeon DTOA 7414 (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]
Inédito (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]

1972

Festival Internacional de la Canción del Agua Dulce (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
Alfredo Zitarrosa (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Cantata del pueblo (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
Zitarrosa en el Perú (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]
A los compañeros (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]
Simple Microfón 3.788 (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]

1973

Primer Festival Internacional de la Canción Popular (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
Adagio en mi país (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Zitarrosa en la Argentina (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1974

Zitarrosa 74 (edición argentina) (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Zitarrosa 74 (segunda edición uruguaya) (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Simple Microfón 4.027 (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]
Zitarrosa 74 (EP) (Alfredo Zitarrosa) [SINGLES Y EP]

1975

Desde Tacuarembó (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Los gauchos judíos (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1976

Recordándote (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1977

El canto de un pueblo (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
Guitarra negra (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1978

Guitarra negra (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Segundo Festival de Oposición (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1979

Milonga de ojos dorados (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Candombe del olvido (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Adiós Madrid (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Candombe del olvido (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1980

Textos políticos (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Volveremos (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1982

Si te vas (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
El violín de Becho (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1983

Zitarrosa en Argentina (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Temas inéditos (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Canción para el pequeño día (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1984

Juntos (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
De regreso (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
Melodía larga (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
ADEMPU canta – vol. 1 (Obra colectiva) [COLECTIVOS]
ADEMPU canta – vol. 2 (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1985

Guitarra negra (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]

1986

Canto en clave de FA (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1987

Melodía larga 2 (Alfredo Zitarrosa) [EN SOLITARIO]
El Canto Popular junto al PIT-CNT (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1988

Sur (Obra colectiva) [COLECTIVOS]

1989

Sobre pájaros y almas (Alfredo Zitarrosa + Héctor Numa Moraes) [EN SOLITARIO]

1990

Alfredo Zitarrosa X 14 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

1991

Alfredo Zitarrosa (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

1992

Guitarra negra / ”Adagio a mi país” (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

1995

Zitarrosa siempre – Los inéditos (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

1997

Alfredo Zitarrosa – 14 temas inéditos (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

1998

Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 1 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 2 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 3 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 4 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 5 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 6 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 7 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 8 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 9 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]
Los archivos inéditos de Alfredo Zitarrosa – vol. 10 (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

2000

Alfredo Zitarrosa en vivo en Santiago (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

2004

Textos políticos (Alfredo Zitarrosa) [EDICIONES DE ARCHIVO]

Fuente: http://www.cancioneros.com/cc.php?NM=32&TP=1

Videos :











lunes, 17 de enero de 2011

Georgina Hassan una artista exquisita




Sobre la Artista
Georgina Hassan nació el 9 de mayo de 1977 en Buenos Aires. En 1994 se recibió de Maestra Nacional de Música en la Escuela Juan Pedro Esnaola, y en 1999 egresó de la Escuela de Música Popular de Avellaneda con el título de instrumentista con especialización en guitarra folklórica.

Con un repertorio que combina diversas tradiciones latinoamericanas, Georgina Hassan invita a un recorrido íntimo por sus raíces. Así, en sus composiciones conviven la sensibilidad de la observadora con la energía de la renovadora, logrando consolidarse como una de las voces más autenticas de nuestro panorama musical.

Su vasta experiencia recogida en giras por Europa, Latinoamérica y Argentina se traduce en un lenguaje potente y personal, en donde se mezclan historias sencillas, el misterio del amor y el desamor, la celebración de los sentidos, los recuerdos de la infancia, en canciones que fluyen así, como respirar...

En el año 2002 realizó su primera gira por Europa, con conciertos en Francia, España y Portugal.

En agosto del 2004 grabó su primer disco solista, Primera Luna, con arreglos y dirección musical de Pablo Fraguela, y producción artística de Ariel Hassan.

Compartió escenarios con Ernesto Acher, Carlos Negro Aguirre, Lisandro Aristimuño, Rubén Goldín, Liliana Herrero, Inti-Illimani, Samanta Navarro, Opus Cuatro, Ana Prada y Chango Spasiuk, entre otros artistas.

Ha realizado giras por el interior de Argentina, como así también por Chile, Paraguay, Uruguay, España, Francia y Portugal.

A comienzos de 2009 fue invitada por el músico vasco Kepa Junkera, ganador del Grammy Latino, a participar de la grabación de su último CD, Kalea, junto a destacados artistas de Latinoamérica como Pablo Milanés, Pedro Aznar, Lila Downs, Ivan Lins, entre otros.

En abril de 2009 realizó su quinta gira europea presentándose en las ciudades de Granada (semifinalista en el concurso Encuentro de cantautores Abril para vivir 2009), Zaragoza y Pamplona, en España; y en Porto, Braga y Maia, en Portugal.

En septiembre de 2009 lanzó su segundo disco, Como respirar, integrado principalmente por canciones propias, con dirección musical de Diego Penelas y producción artística de Georgina Hassan y Gustavo Segal.

En octubre de 2009 fue nominada para los premios Atahualpa en el rubro Nueva hornada, mejor solista vocal femenina.

El enero de 2010 realizó una gira por diferentes localidades de la Provincia de Córdoba, Argentina, presentando su nuevo disco Como respirar.

En abril realizó un ciclo de conciertos a dúo junto al músico alemán Erik Manouz, en las ciudades de Leipzig, Berlín y Lüneburg, en Alemania.

Entre el 12 de mayo y el 5 de junio Georgina Hassan realizó su sexta quinta europea, presentando su nuevo disco Como respirar, acompañada por Diego Penelas, pianista y director musical del nuevo disco.

La gira fue auspiciada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, y se realizó en las ciudades de Vila Real, Braga, Esposende, Porto y Évora, en Portugal; Barcelona, e Irurtzun, en España; en el Space Segnhor de Bruselas, Bélgica y en UfaFabrik de Berlín, Alemania.

Algunos Videos:



















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domingo, 16 de enero de 2011

Bruno Arias el Changuito sigue volando!!







Bruno Arias es un joven cantante folclórico nacido en El Carmen, provincia de Jujuy, Argentina, en junio de 1979. Suele acompañar en sus presentaciones a grandes representantes del noroeste argentino como Jaime Torres y Tomás Lipán. En 2002 se trasladó a Buenos Aires donde se hizo un lugar recorriendo peñas y festivales, pero pegó el gran salto en 2004 cuando fue invitado al Festival Folclórico de Cosquín. En 2005 editó su primer disco, Changuito volador, en el que renueva ritmos de su región como la saya, el huayno, el carnavalito y el bailecito.

Fuente: http://cmtv.com.ar/biografia/show.php?bnid=1521&banda=Bruno_Arias

Llegando está

Nota del 11 de junio de 2006 publicada en Pagina 12

Hace tres años que llegó a Buenos Aires desde Carmen, el mismo pueblo jujeño donde nació Jorge Cafrune. A los 26, Bruno Arias ya tocó y grabó con León Gieco, Mercedes Sosa, Jaime Torres, Angela Irene, Peteco Carabajal y hasta Charly García; pero en su disco Changuito volador queda claro que sus principales influencias son los cantores que vio en guitarreadas eternas cuando era adolescente, el bailecito y los ritmos tradicionales de Jujuy y el carnaval del norte argentino, tiempo de festejo, amores y agradecimiento a la Pachamama.


Por Santiago Rial Ungaro

Según la antigua sabiduría oriental, el conocimiento baja de la montaña al valle. En el caso de Bruno Arias, que en tres años ya se abrió camino en la misteriosa y cruel Buenos Aires, lo que nos trae de las montañas jujeñas es un disco que se anima a ser, a la vez, emocional, tierno, bailable, profundo y costumbrista. Jujeño y universal, Bruno nació en el Carmen, el mismo pueblo en el que nació Jorge Cafrune. Sus canciones son historias típicamente jujeñas, tocadas al ritmo del bailecito, ritmo tradicional de la región que hasta ahora fue curiosamente subestimado. También hay por ahí algún huayno (parece que en su próximo disco va a haber varios), un carnavalito y hasta un par de chacareras, pero lo que le da el tono al disco es el bailecito. “Estos bailecitos les gustan mucho a los que están empezando a aprender a bailar, y a la gente mayor le encantan porque son bien tranquilitos. En el disco hay ocho, y no creo que nadie en el folklore haya grabado en un disco tantos bailecitos juntos. ¿Por qué? Porque en el folklore, cuando se toca un bailecito, se toca para que baile la gente, no para que escuche. Por ejemplo, si vos tocás La firmeza, que es un baile tradicional, no lo tocás por la letra sino para que baile la gente.”

Cambiándole la instrumentación y la velocidad del ritmo (el bailecito original es bastante más veloz), la selección de canciones que hizo Bruno para el que hasta ahora es su único disco, titulado Changuito volador, tiene todo lo necesario para dejar una marca: su rescate de los bailecitos y su conciencia jujeña ponen en escena un auténtico colla power que tiene en el Carnaval su expresión más colorida y, de alguna forma, accesible. Pero lo de Bruno Arias no es un producto for export, sino la consecuencia de una forma de vida expresada en un puñado de canciones en las que les canta a las imillas (mujeres), a sus chascañabuies (ojos grandes de abundantes pestañas) y a esa omnipresente Pachamama que le da a estos bailecitos, carnavalitos y huaynos su gracia telúrica y divina.

Cuando Bruno Arias canta en Abra del Zenta (de Enrique Benavides) sobre un niño tocando su quena, todo parece muy bucólico y bonito... hasta que uno se entera de que el tema es un “homenaje al niño Guillermo Yampa, para acordarse de todos esos chicos que mueren congelados en la Quebrada”.

Guitarreada y vida

La historia de Bruno Arias es simple, pero es esa sencillez la que lo distingue: “Yo empecé tocando la guitarra de grande, recién me puse a tocar en quinto año de la escuela. Pero por suerte, en esa época, mediados de los ’90, estaba pegando muy fuerte el folklore y la bohemia. Había una casa que se llamaba La Yuli, en la que vos podías caer a cualquier hora a guitarrear. Vos tocabas la puerta y decías ‘Ey, Yuli, vengo a guitarrear’, y ella te hacía entrar. Y se armaban ruedas de guitarristas jujeños y todos componían y cantaban sus propias canciones, fueran o no conocidos. Ella vendía algunas bebidas y vivía de eso. Vos entrabas y la energía era diferente de la que te podés encontrar en una peña: la entrega era diferente. Y ahí yo aprendí lo que es cantar con sentimiento, con corazón. En las guitarreadas de la Yuli a vos se te ponía la piel de gallina, cantara quien cantara: cuando vos escuchabas la historia de cada canción se te erizaba la piel”.

Esa premisa vivencial y epidérmica es la que mantiene Bruno en el único tema que compuso solo para su primer disco: “Ese tema habla de una historia personal, de abandonar Jujuy, mi familia, y de abandonar a mi novia”, dice sobre Tristecito, un bailecito en el que Bruno tuvo el buen criterio de grabar un bandoneón. Por entonces, en su provincia, Bruno Arias ya era una celebridad, y acá, un ilustre desconocido que se venía en el auto de un amigo sin dinero y sin ropa pero con la idea de seguir aprendiendo y creciendo. Y aunque a las dos semanas ya estaba cantando con León Gieco en un homenaje a Sixto Palavecino, Bruno recuerda la casa de la Yuli como una verdadera escuela: “En esa casa pasé una época buena, llegué a quedarme un mes entero viviendo ahí. Lo bueno era que cuando terminaba todo la Yuli compraba carne, hacía un asado y todos nos quedábamos a comer y a beber ahí. Yo estaba acostumbrado a otra cosa, mi familia no estaba acostumbrada a hacer una Pachamama, no eran tanto de la tierra, no es una familia bien jujeña. Lo que sé de música lo aprendí ahí, no de haber estudiado en un conservatorio. O sea que las mañas de los viejos cantores, bien de asado y de la bohemia las tengo incorporadas, porque todos los días aparecía gente distinta. Ahí aprendí también a respetar a la gente mayor”.

De esto hace ya casi diez años, y ahora Bruno tiene 26. Y aunque ya haya cantado con grandes como Mercedes Sosa, Jaime Torres, Patricio Jiménez (del Dúo Salteño), Angela Irene y acabe de grabar en el último disco de Peteco Carabajal con Charly García, Bruno considera que Pachi Alderete, un cantor de entrecasa que conoció en lo de la Yuli, es una de sus principales influencias: “Pachi Alderete ha hecho un aporte importante al cancionero popular jujeño de los últimos diez años. Le dio un aire fresco con sus interpretaciones. Tengo mucha influencia de él desde el principio, desde las primeras guitarreadas me llamaron la atención sus canciones porque eran diferentes, tenían otros mensajes”. Otro mensaje puede ser ingeniárselas para cantarle a un changuito (un chico, un pibe) que se hamaca cada vez más fuerte, con el sol en la punta de los pies. “Hamacando recuerdos”, el tema en cuestión, es precisamente de Pachi Alderete, y allí habla de un “changuito volador”, expresión que terminó identificando en las peñas a Arias.

Tristezas de Carnaval

Pero si hay algo que recorre el disco de Bruno Arias es, sin dudas, el Carnaval. “Yo fui muchos años al Carnaval, pero lo veía siempre desde afuera. Tenía la experiencia de ver a la gente copleando, despidiendo el Carnaval, de haber visto gente arrodillada, llorando, frente al mojón, el agujero de donde sale el diablito y de donde después lo entierran, y todos dan vuelta alrededor bailando. Porque cuando queman al muñeco y entierran el carnaval, la gente baila alrededor del mojón tirando harina, bebida, papel picado, y van pidiéndole cosas, a la vez que hacen alguna promesa. El Carnaval es también un agradecimiento a las cosechas. Y después de cuatro años participando de las comparsas pasé de preguntarme por qué la gente estaba ahí llorando a ser yo el que lloraba cuando terminaba el Carnaval. Es algo muy profundo y sagrado para mí. Tenés que ir todos los años y no podés faltar. No te pueden quitar el Carnaval.”

Así, un carnavalito como La vi por vez primera cuenta otra vivencia, aunque escrita por Justiniano Torres Aparicio: “En el Carnaval vos estás medio tomadito y siempre te enamorás. Siempre hay o grandes encuentros de amores que llegan al casamiento, o grandes desencuentros. Es lindo el Carnaval pero es feo cuando te va mal y te enamorás de una que te hace sufrir; porque te agarra para el Carnaval, te hincha las bolas y jode y chau, después no te da más bola. Disfrutás el amorío del Carnaval pero después te deja el sinsabor por todo el resto del año”.

Claro que para el Changuito volador, Jujuy era el trampolín para saltar al vacío: “Yo en mi provincia me había vuelto bastante popular, con mis músicos éramos algo así como el grupo del momento. Y hace unos cinco años fuimos a un encuentro de música folklórica independiente y me encontré con la movida que se estaba generando en Tucumán en ese momento, músicos como Lucho Hoyos, Juan Quinteros con el grupo Acaceca, Claudio Sosa, Verónica Condomí y otros que estaban haciendo cosas más avanzadas, que usaban otras armonías. Veía que los vagos manejaban mejor la voz, o que se notaba que habían estado tocando cinco horas por día durante años, por lo bien que lo hacían. Estando en tu pueblo, la gente te adula y capaz que te quedás en el mismo lugar y no te das cuenta que pasan años; y de repente me cambió la historia, y me di cuenta de que tenía mucho que aprender”.

Claro que ese aprendizaje implica, muchas veces, aprender a valorizar el lugar de donde uno viene, el terruño del que tanto hablaba Don Atahualpa Yupanqui. “Como decía Atahualpa, cuando uno se va empieza a valorar mejor las cosas de su lugar. Porque para valorar el bailecito yo me tuve que venir para Buenos Aires. Y con sólo mover la mano ya me suena el ritmo del norte. Quién mejor que yo para hacerlo, que vengo de Jujuy. Encontrar tu copla a veces es complicado, pero en un momento me pregunté: ‘¿por qué no voy a grabar estos bailecitos, si es lo que más me representa y lo que más placer me da tocar?’. Lo que pasa es que Jujuy tiene mucha influencia en la parte de los valles de los gauchos, como el Chaqueño Palavecino o el Chango Salteño, Los Fronterizos, que es una música más criolla. O en una mano más comercial, grupos como Los Nocheros. Y de la parte del norte se nota mucho la influencia de los grupos bolivianos, por ejemplo los Jarcas... Es jodido saliendo de Jujuy tener un repertorio jujeño, aunque hay gente como Ricardo Vilca, Tomás Lipán o Fortunato Ramos, que tienen una propuesta bien tradicional. Pero a los jujeños nos cuesta tener nuestra identidad. Yo antes bajaba del escenario y me preguntaban ‘¿Vos de dónde sos?’. Tocaba una chacarera y me preguntaban ‘¿Sos de Santiago del Estero?’. Tocaba una zamba y creían que era de Tucumán. Encima mis rasgos no son bien collas. Antes yo tenía que decir: ‘Soy de la provincia de Jujuy’. Yo sé que empecé a sentir otro placer cuando veía que bajaba del escenario y me preguntaban ‘Che, ¿de qué lado de Jujuy sos?’. Me gusta que reconozcan mi origen.”

Además de su talento y su simpatía personales, lo que hace interesante a Bruno es su humildad, y sus propios conflictos como cantor. A pesar de saber lo valioso que es su rescate emotivo del ‘bailecito’, sabe que no quiere limitarse. “Muchas veces me pasa de caer en el facilismo, en el agite. Pero a veces en el mismo recital viene un grupo que toca una canción que hace pensar a la gente, y eso me hace volver, no quiero dejarlos solos. Me gusta buscar un equilibrio. Yo he vivido mucho el Carnaval y sé lo que es la fiesta, sé lo que es divertirse, pero trato de mostrar un mensaje primero. Después, si puede ser fiestero también, mejor.”

ALGUNOS VIDEOS:





miércoles, 12 de enero de 2011

Nota al ''Chango'' Rodríguez realizada por Justo Roque Anaya

Nota al Chango - Justo Roque Amaya from cadena3 on Vimeo.



Entrevista realizada por el periodista Justo Roque Anaya (Boya) el 5 de septiembre de 1968 en la penitenciaría de Córdoba, para Canal 10 ; en la parte final del video interpreta Luna Cautiva y explica varias cosas entre ellas sobre su situacion ya que el estaba purgando una condena por la muerte de un hombre , en fin vean el video ahi lo veran y oiran clarito.

Los archivos pertenecientes a Servicios de Radio y Televisión de la Universidad Nacional de Córdoba, y están en custodia (y procesamiento) en el centro de Conservación y Documentación Audiovisual de la UNC.

Reseña biográfica

Se llamaba José Ignacio Rodríguez, "Chango Rodríguez" cantautor y poeta del cancionero popular argentino. De padre catamarqueño y madre riojana, nace en Córdoba, Argentina un 31 de julio de 1914 en el domicilio de Sucre 327. Cursó sus estudios primarios y secundarios en el colegio San José de Villa del Rosario. En su juventud fue jugador del fútbol del Rioja Junior ( Provincia de la Rioja )
Vivió junto a su madre en calle Chubut 34, Córdoba.
Un 8 de enero 1965 contrae nupcias con Lidia Haydeé Margarita Bay "La gringa", la musa inspiradora de la zamba "MI LUNA CAUTIVA".

De esta unión nació, un 21 de septiembre de 1973 su hija amada, Claudia Alejandra Rodríguez Bay, hecho que quedó plasmado por el cantautor en aquella zamba "NIÑA DE CARA MORENA".
Un 7 de octubre de 1975, fallece en Córdoba.
Su familia del matrimonio está actualmente constituida por La Gringa, su hija Claudia - casada con Fernando -, Jóse Armando, Fernando Emilio Jesús y Nicolás Rodolfo- los hijos de ambos y nietos del Chango -
Por otro lado, el chango tuvo 3 hijos, Marcos Alberto, María Argentina y Matilde Adriana Rodriguez, quienes también les dieron nietos y bisnietos.

Su madre María Rivolta, era directora de la escuela de Matorrales; su padre Alberto Rodriguez, murió cuando él tenía apenas cuatro años; su hermano Alberto, seis y su hermana Angélica, por aquel entonces tenía ocho años.
Desde niño El Chango tuvo afición por la guitarra. Cuando su madre preparaba la fiesta de fin de curso, con el consabido Patio Criollo, les enseñaba a los alumnos aficionados acompañamiento con guitarra y canto. Él no se separaba de su lado. Luego en la intimidad de su hogar, un día le dijo a su madre en tono serio: "Mamá, si me enseña la guitarra, le voy a dar $ 0,05". A su madre, dicha salida le causo gracia, pero fue así como empezó a tocar la guitarra. Una de las muestras de que su espíritu inquieto ya soñaba con los escenarios, era la respuesta a alguien que le preguntaba cómo sé llamaba, contestándole ¡Eduardo Toberán! (seudónimo artístico por él creado) hasta que un día su padre lo reprendió. Como consecuencia de eso su madre lo llamaba Eduardo.

Estando él muy enfermo, y siendo muy pequeño, su madre hizo una promesa a San Nicolás pidiendo por su salud, en razón de que los médicos no le daban más que horas de vida. Esa promesa la hizo en una noche de gran tormenta y frente a una pila de leña. A consecuencia de este milagro él es devoto de San Nicolás, y de la Virgen de Luján, años después compone San Nicolás - vidala chayera.

Teniendo aproximadamente 14 años, edad esta en que todavía no podía definir su carrera ni saber para qué rumbo tomar, fue a la Rioja y le hizo una promesa a San Nicolás, pidiéndole que lo encaminara en la vida y que lo dejara vislumbrar qué camino seguir. Ese viaje pasó al olvido. Pasó el tiempo, y una noche sintió una inquietud que le provocaba gran angustia; a la madrugada tomó un lápiz y se puso a escribir sobre el sueño que tuvo. Vio un hombrecito reclinado en un árbol que cantaba " Vidala tengo una copla no me la vas a quitar". Fue su primera composición "Vidala de la copla" - vidala Chayera.-


Toda su vida estuvo dedicada a su gran pasión: la música.. Su enorme talento e Imaginación le inspiraban coplas de profundo contenido con versos impregnados de dulce melancolía y destellos de alegría, típico reflejo del sentir popular, y ejemplo de su versátil personalidad: alegre, jubilosa, contador de cuentos, pero otras veces, de miradas silenciosas, que provocaban en él una gran satisfacción al escribirlos. -

Para este folklorista, sus composiciones obedecían a la necesidad de decir las cosas con simpleza; inspiradas en la llanura, la montaña o la selva, va pintando el sentimiento derivado de los sueños y anhelos de los hombres de campo.-

El chango, de grandes ojos oscuros y tonada bien Cordobesa, va aprendiendo las diferentes costumbres de cada región. Decía él "...son canciones como leñita seca, rescoldo de fogones que me invitan a matear..."

Y en su andar por la Córdoba doctoral del hablar ingenioso, recorría los viejos barrios, las tapias, los aguaduchos, la Cañada con su Abrojal, el Infiernillo, el Bajo de los Perros, el Potrero Ducasse, la Bajada del Pucará, los típicos manifestantes de las orillas, ya son sólo eco en su cantar "...tranquilo nomás...tranquilo... " (Del Cordobés - Chacarera-)

Hombre de cuño arrabalero, habla con la tonada y el cariño a sus viejos amigos. Recuerda sus maestros de entonces y a los hombres que conoció en su mocedad. Aprendiendo guitarra y música al lado del "Cabeza Colorada", los cuentos y la picardía del "Negro la Juana".

Su debut ante el público lo hizo en la Rioja y después bajo a Buenos Aires, donde fue compañero de Acosta Villafañie en Radio Belgrano en el año 1939 y de José Ramón Luna. La gran ciudad le dio de inmediato el espaldarazo, por que advirtió en él un autentico folklorista. Para ese entonces había escrito " La Mayor" - Chacarera -
Ausente del país por cuatro años y medio, viajo a Bolivia y Perú, allá por 1940.Estudio literatura andina, sus lugares históricos, la costumbre del Carnaval Cuyano. Conoció: Machupichu, Pumakurca, Comayo, Yari. En Bolivia la región de Chusquisaca, Santa Cruz de La Sierra, Cochabamba, La Paz y el Lago Titicaca. Sus creaciones "La Chusquisaca" -cueca- y "Chicheriar del Cusco" -huayno-, son sin duda auténticas expresiones que le dejaron aquellos parajes.-

Noches de canto y guitarra sin éxito le traerán nostalgia. Son los recuerdos de juventud: El aroma del patio "....Azahares de blanco jazmines...el caserón blanco...su niñez...". Es la ausencia de su madre, doña María, que lo vio partir la noche de abril, allá en Chubut 34.-
El chango decide retornar al país, a su pago provinciano, la Córdoba doctoral. Ya en Córdoba, "... Como vuelo de ave que vuelve a su nido / encuentra en su madre un alivio...", pues sus discos no tienen el éxito que él esperaba. Para ese entonces había grabado tres LP: "Puñado de mis canciones ", " Creaciones folklóricas " y " Chango Rodriguez ".El chango se decide a grabar de nuevo, pero en una conversación con su madre le dice: "Sí no tengo suerte con lo que grabe, dejaré de cantar y tocar la guitarra

Fuente: http://www.changorodriguez.com




MI LUNA CAUTIVA (Zamba)
Letra y Música: José I. "Chango" Rodríguez
.
De nuevo estoy de vuelta
Después de larga ausencia
Igual que la calandria
Que azota el vendaval
Y traigo mil canciones
Como leñita seca
Recuerdo de fogones
Que invitan a matear
.
Y divisé tu rancho
A orillas del camino
En donde los jazmines
Tejieron un altar
Al pie del calicanto
La luna cuando pasa
Peinó mi serenata
La cresta del sauzal
.
Tu amor es una estrella
Con cuerdas de guitarra
Una luna que me alumbra
En mi oscuridad
Acercate a la reja
Sos la dueña de mi alma
Sos mi luna cautiva
Que me besa y se va
.
Escucha que mis grillos
Están enamorados
Y lloran en la noche
lamentos del sauzal
El tintinear de espuelas
Del río allá en el vado
Y una noche serena
Respira en mi cantar
.
De nuevo estoy de vuelta
Mi tropa está en la huella
Arrieros musiqueros
Me ayudan a llevar
Tuve que hacer un alto
Por un toro mañero
Allá en el calicanto
A orillas del sauzal

martes, 14 de diciembre de 2010

Se presento el documental Abel Fleury , el Poeta de la guitarra

Abel Fleury, el poeta de la guitarra from Miradanomade on Vimeo.




Idea y realización : Ignacio Ewert.
Edición: Paula Ferrante.
Investigación y narración : Héctor García Martínez.

Cámara y sonido: Ignacio Ewert

Producción: Miradanomade

http://miradanomade.blogspot.com/

El documental " Abel Fleury, el poeta de la guitarra", se estreno el
Domingo 12 de diciembre de 2010, 17hs. en el museo de Arte popular José Hernández , Av. del Libertador 2373, Capital Federal.

La Idea y realización Ignacio Ewert , edición de video Paula Ferrante , basado en la investigación y recopilación de Héctor García Martínez , un Hombre que ha consagrado su vida a la labor de rescatar figuras como la de Abel Fleury , el documental por ahora será difundido en Museos ,festivales entre otros.

En la presentación a la cual fui amablemente invitado ,contó con varias personalidades vinculadas al Arte , de las cuales nombrare algunas: La concertista de Guitarra y Docente Analía Rego quien tuvo el privilegio de tomar clases con Aníbal Arias, el Señor Sergio Moldavski También Guitarrista y Docente el cual a grabado la obra completa de Abel Fleury y colaboro con la música del documental, y Don Héctor Lorenzo Lucci , investigador y especialista en grabación y sonido, pero fundamentalmente es el mayor coleccionista de discos de tango, cilindros, gramófonos y fonógrafos pido perdón por las personas que no nombre.

Merecido homenaje y vindicación de la figura de Don Abel Fleury un Hombre que supo ponerle musica al paisaje de la Llanura Pampeana.

Algunas fotografias:



isq a der , Carlos A. Lopez , Hector Garcia Martinez,
Analía Rego ,
Sergio Moldavski y Ignacio Ewert.



¡¡Gracias Ignacio Ewert y Paula Ferrante por su buen Trabajo!!